Музей

«Интерьер Мулен-де-ла-Галетт» — Рамон Касас Цена: 51 000 $ Этот же кабак в Монмартре писали Ренуар и Тулуз-Лотрек, и оба сделали из него праздник — вихрь красок, света, танцующих пар. Касас, работавший там же спустя всего пару десятилетий, выбрал прямо противоположную интонацию. Никакого веселья: тусклый свет, холодная монохромная гамма, глубокие тени, а вместо кружащихся танцоров — равнодушные фигуры за столиками, будто застывшие в собственных мыслях. Искусствоведы называют это осознанным пессимистическим взглядом художника, гораздо ближе по духу к мрачноватым работам его близкого друга Сантьяго Русиньоля, чем к жизнерадостному импрессионизму. Зимой 1890 года Касас поселился в самом Мулен-де-ла-Галетт вместе с Русиньолем и своим товарищем Микелем Утрильо — прямо над знаменитым танцевальным залом, в квартире, встроенной в этот же комплекс с рестораном, садом и деревянной мельницей, давшей заведению название. Из своего временного дома они устраивали настоящие художественные вылазки по богемному Монмартру, а свои парижские впечатления описывали в статьях для барселонской газеты «Ла Вангуардия». Картина — часть целой серии интерьеров этого заведения, которую Касас писал во время своего третьего пребывания в Париже. Есть у него и другая, более крупная версия того же ракурса — вид от оркестра, — которая сейчас хранится в музее Кау Феррат в Ситжесе. Тот вариант, что перед нами, впервые показали публике в 1891 году на выставке в барселонской галерее Сала Парес, а спустя почти десятилетие, в 1900 году, эта же картина заняла почётное место на крупной персональной выставке художника в Париже, организованной тем самым Микелем Утрильо, который когда-то делил с ним крышу над Мулен-де-ла-Галетт. 🏛Музей | 1890

«Последний взгляд на Англию» — Форд Мэдокс Браун Эта картина написана буквально о самом художнике — только в вымышленных обстоятельствах. Форд Мэдокс Браун изобразил себя и свою жену Эмму в роли эмигрантов, покидающих родину, хотя сам он никуда так и не уехал. Идею подсказала реальная история: в 1852 году в Австралию отправился его близкий друг, скульптор-прерафаэлит Томас Вулнер, не сумевший найти признания на родине. Тогда же, по собственному признанию, Браун был «в отчаянном безденежье и немного не в себе» и всерьёз подумывал перебраться с молодой семьёй в Индию — но вместо переезда написал эту картину. Автопортретность здесь почти документальная: лицо мужчины на холсте — это сам Браун, лицо женщины — его жена Эмма, а крошечная рука ребёнка, выглядывающая из-под её пелерины, писана с их собственного новорождённого сына Оливера, появившегося на свет как раз в 1855 году, когда картина была завершена. Верный принципам прерафаэлитов «писать правду природы», Браун заставлял своих моделей позировать на открытом воздухе в любую погоду, даже зимой — так он добивался того самого особого, рассеянного морского света, характерного для открытого моря. Круглая форма полотна не случайна — она напоминает вид через подзорную трубу, будто зритель наблюдает за уплывающим кораблём с белых скал Дувра, тающих на заднем плане картины. Кстати, в 2013 году эту картину радиостанция BBC назвала восьмой в списке любимых картин британцев. 🏛Музей | 1855

«Утро в Альпах» - Эрнст Адольф Мейснер 🏛Музей | XIX век

Кто из них, по-вашему, через секунду первым поймёт, что это всего лишь игра? Anonymous Poll 9% - Девочка — она уже почти догадалась, кто прячется за маской 76% - Мальчик — сам выдаст себя, не сумев сдержать смех 16% - Никто — игра продолжится, пока в комнату не войдёт взрослый

«Маска» — Гаэтано Кьеричи 🏛Музей | 1878 год

«Портрет скрипачки» — Анна Валайе-Костер Цена: 160 000 $ Художница, написавшая эту картину, была настоящей аномалией для своего времени: в двадцать шесть лет её приняли в Королевскую академию живописи и скульптуры — редчайший случай для незамужней женщины в мужском художественном мире Франции XVIII века. Причём приняли её не за портреты, а за натюрморты, в которых она была почти неуязвима — даже суровый критик и энциклопедист Дидро отмечал, что если бы все новоиспечённые академики показывали такой уровень, как мадемуазель Валайе, выставки выглядели бы совсем иначе. Портреты она писала редко и почти всегда только близких людей. Исследователи предполагают, что на этой картине изображена одна из трёх сестёр художницы — хотя доподлинно неизвестно, играла ли хоть одна из них на скрипке. Кстати, при внимательном взгляде инструмент в её руках — вовсе не классическая скрипка: шесть струн и лады выдают в нём скорее виолу, родственницу семейства виол да браччо, хотя картину по традиции так и называют «Портретом скрипачки». Есть в этой сцене и тихая деталь, над которой искусствоведы спорят до сих пор: струны инструмента порваны. Задумчивая, слегка меланхоличная поза модели в сочетании с этой деталью намекает на какой-то невысказанный сюжет — то ли прерванную музыку, то ли что-то более личное, что художница так и не расшифровала для зрителя. Судьба картины оказалась под стать её загадочности: в 2015 году на аукционе Sotheby's в Париже её купил Национальный музей Швеции почти за миллион евро — это стало абсолютным аукционным рекордом для работ Валайе-Костер. Интересно, что в тот же самый вечер был установлен ещё один исторический рекорд — для картины другой женщины-художницы, Луизы Муайон, чей натюрморт ушёл ещё дороже. 🏛Музей | 1773

«Терраса в Сент-Адресс» — Клод Моне За внешне безмятежной, солнечной сценкой на этой картине скрывается непростое лето в жизни художника. Моне писал её летом 1867 года, когда гостил у отца и тётушки в приморском Сент-Адрессе близ Гавра — и приехал он туда далеко не по своей воле, а под давлением семьи, обеспокоенной его безденежьем и отношениями с Камиль Донсьё, которая как раз в те дни в Париже рожала их первенца. Отношения с отцом в то лето были напряжёнными: семья не одобряла ни выбор Моне посвятить себя живописи вместо надёжной профессии, ни его связь с незамужней Камиль. Сам отец, изображённый на переднем плане в шляпе-панаме, оплачивал сыну содержание — но именно летом 1867-го временно лишил его денег, узнав о беременности Камиль. Забавно, что сам Моне в переписке называл эту картину «китайской картиной с флагами», а его друг Ренуар окрестил её «японской картиной» — оба, по сути, имели в виду одно и то же: смелую, плоскую композицию, разбитую на чёткие горизонтальные полосы террасы, моря и неба, вдохновлённую японской ксилографией, которую тогда коллекционировали многие художники их круга. Именно в этом сплющенном, декоративном построении пространства искусствоведы позже увидели ранние ростки будущего импрессионизма. Любопытно и то, что картину впервые публично показали лишь спустя двенадцать лет после создания — на четвёртой выставке импрессионистов в 1879 году. 🏛Музей | 1867

«Мадам Сатана» - Жорж Ашиль-Фульд 🏛Музей | 1904 год

Что здесь сильнее всего меняет ваше восприятие картины, когда узнаёшь её настоящую историю? Anonymous Poll 34% - Женщина вообще не была той «уродливой герцогиней», за которую её позже приняли 42% - Возможно, художник изобразил реального человека с тяжёлой болезнью, а не придумал карикатуру 29% - Её образ превратился в героиню «Алисы в Стране чудес» — уже не ту женщину, которую писал Массейс

«Уродливая герцогиня» — Квентин Массейс 🏛Музей | 1513 год

«Годовая минея» — неизвестный русский иконописец Цена: 21 000 $ Автор здесь неизвестен, и это не случайность, а особенность самой традиции: такие иконы почти никогда не подписывали. Мастера, работавшие над подобными вещами, были скромными служителями церкви, не искавшими личной славы, — их имена растворились в истории, зато результат их труда сохранился до наших дней в мельчайших деталях, вплоть до имени каждого святого, выписанного церковнославянской вязью. Перед нами не одна конкретная сцена, а целый годовой календарь церковных праздников и памятных дней святых — в иконописи такая композиция называется минеей. По сути, это средневековый ежедневник, только созданный не для личных заметок, а для молитвы: каждый ряд иконы посвящён отдельному месяцу церковного года, а внутри — целая процессия фигур, каждая из которых связана с конкретной датой. Традиция минейных икон восходит ещё к Византии XI века, а на Руси она особенно расцвела в XVI столетии — тогда, по инициативе митрополита Макария, разрозненные тексты о святых свели в единый свод, получивший название Великие Четьи-Минеи. С этого момента иконописцы начали переносить эту книжную энциклопедию святости на дерево и золото, создавая целые комплекты из двенадцати икон — по одной на каждый месяц. Особенно любопытна деталь оклада: массивная серебряная риза, которая закрывает почти всю поверхность доски, оставляя открытыми лишь лики и руки святых. Такие оклады не просто украшали икону — они физически защищали красочный слой от копоти свечей и прикосновений молящихся на протяжении десятилетий, а порой и веков непрерывной службы. Работы такого уровня детализации и сохранности редко доходят до нас целыми — большинство годовых миней со временем разрознивались, теряли отдельные месяцы или переходили из рук в руки по частям, так что подобный комплект — это уже сам по себе счастливый случай. 🏛Музей

«Слепая» — Джон Эверетт Милле Эта картина рассказывает об одной из самых острых социальных проблем викторианской Англии — детском бродяжничестве и нищенстве среди людей с инвалидностью. Перед нами две девочки, предположительно сёстры, странствующие нищие музыканты, отдыхающие у дороги после дождя по пути в городок Уинчелси, чей силуэт виднеется вдали. На коленях у старшей — концертина, а на шее едва заметна табличка с надписью «Пожалейте слепую»: она зарабатывает на жизнь игрой на этом инструменте, потому что лишена зрения. Милле выстроил композицию как настоящую аллегорию чувств: слепая девочка подставляет лицо солнцу и перебирает пальцами травинку, целиком полагаясь на осязание и слух, тогда как её зрячая сестра, прижавшаяся к ней, восхищённо смотрит на редкое природное явление — двойную радугу в небе. Есть даже трогательная деталь, которую легко пропустить: на плече слепой девочки неподвижно сидит бабочка-крапивница — художник таким образом показывает, насколько героиня спокойна и неподвижна. А ещё эта картина — пример настоящей научной дотошности художника. Когда полотно впервые показали публике в 1856 году, кто-то заметил Милле, что во внутренней дуге двойной радуги цвета должны идти в обратном порядке относительно внешней — художник сначала написал их одинаково. Узнав об ошибке, он переписал радугу заново, чтобы добиться физической точности. 🏛Музей | 1856

«Пейзаж» - Лев Феликсович Лагорио 🏛Музей | 1871 год

Представьте, что вы — директор цирка и должны решить, что делать с этим выступлением. Выпускать артиста на арену или отменять номер? Anonymous Poll 13% - Выпускать — публика ничего не должна заметить 41% - Отменять — после случившегося риск слишком велик 48% - Решение должен принять сам артист — это его жизнь и его выход

«Роковой выход» — Игнатьев Михаил Иванович    🏛Музей | 1901 год

«Клевета» — Сандро Боттичелли Цена: 280 000 $ Это последняя картина Боттичелли на мифологический сюжет — дальше в его творчестве наступит совсем другая, куда более аскетичная эпоха, когда художник попадёт под влияние проповедей Савонаролы и практически откажется от языческих тем. А эта работа стоит на самой границе двух миров: ещё яркая, чувственная, но уже пропитанная тревогой и предчувствием конца целой эпохи флорентийского Возрождения. Сюжет картины Боттичелли вообще-то не придумал — он его реконструировал. Существовала легендарная картина древнегреческого живописца Апеллеса, до нас не дошедшая, но подробно описанная античным писателем Лукианом. Апеллеса самого когда-то оклеветал завистливый коллега, обвинив в заговоре против египетского царя Птолемея; художника чуть не казнили, а когда правда открылась, царь в качестве извинения отдал ему в рабство того самого клеветника. Апеллес в ответ написал картину-аллегорию о том, как рождается ложь, — и именно эту утраченную работу спустя почти два тысячелетия попытался воссоздать Боттичелли, опираясь только на текстовое описание. Читать картину нужно справа налево, как свиток. На троне восседает царь с ослиными ушами — прямая отсылка к мифу о царе Мидасе, наказанном богом за глупость. Ему на ухо нашёптывают Невежество и Подозрение, а он доверчиво тянет руку к фигуре Злобы, которая указывает на несчастную жертву. Саму жертву — обнажённого, безоружного человека — тащит за волосы прекрасная женщина с факелом, олицетворяющая Клевету; ей помогают Обман и Коварство, заплетающие ей волосы, будто наряжая её перед выходом в свет. Слева картины, особняком от всей этой процессии, стоит одинокая обнажённая фигура — это Истина, указывающая пальцем в небо, а рядом с ней съёжившаяся старуха в чёрном — Раскаяние, смотрящее на неё с невыносимой тоской. Есть версия, что для Боттичелли это было не просто упражнение в античной эрудиции. Незадолго до создания картины на художника поступил анонимный донос с обвинением в содомии — и многие историки искусства считают, что маленькая, почти интимная по размеру картина стала личным высказыванием мастера о несправедливости навета, пережитой на собственном опыте. 🏛Музей | 1495

«Ночное кафе» — Винсент Ван Гог Эта картина — редкий случай, когда сам автор называл своё произведение «одной из самых уродливых картин, которые я написал». И это не самокритика от неуверенности — Ван Гог создавал уродство совершенно осознанно. В письме брату Тео он прямо объяснял свой замысел: «В картине "Ночное кафе" я попытался выразить мысль, что кафе — это место, где можно себя погубить, сойти с ума, совершить преступление». Изображено вполне реальное заведение — «Кафе де ла Гар» в Арле, где художник тогда снимал комнату прямо над баром. Он специально работал над этой картиной три ночи подряд, отсыпаясь днём, чтобы точнее передать атмосферу ночного притона, где укрываются те, кому нечем заплатить за ночлег или кто слишком пьян, чтобы его пустили куда-то ещё. Цвета на полотне — не документальная точность, а сознательный художественный приём: Ван Гог писал, что хотел столкнуть нежно-розовый с кроваво-красным и винно-красным, зелёный с жёлто-зелёным и резким сине-зелёным, создав атмосферу «адской печи в бледной сере» — чтобы передать «силу тьмы в дешёвом кабаке». Есть и трогательная бытовая деталь: у художника вечно не хватало денег, и в итоге он расплатился этой картиной с хозяином кафе, Жозефом Жину, — прямо за проживание в комнате наверху. 🏛Музей | 1888

«Домовой. Вечер перед отъездом хозяев.» - Павел Назим 🏛Музей | 2019 год

Как вы думаете, кого на самом деле провожает эта тёмная фигура? Anonymous Poll 37% - Человека — пришло его время оставить прежнюю жизнь 24% - Его прежнего «я» — фигура словно заставляет его стать кем-то другим 42% - Не человека, а целую эпоху — она уходит, а новый мир ещё не появился

«Время пришло, иди» — Энрике Алвим Корреа    🏛Музей | 1910 год